問題在於，瓦倫丁真的可以代表“偉大的電影藝術”么？顯然不是。從一開始到最後，所有的片中片都是再通俗不過的商業電影。“藝術家”看起來簡直是諷刺。從這個角度看簡直在說“過時的就是藝術”。如今談古典好萊塢，談到的那些都是最優秀的電影。這裡面還有個命名機制的問題。而如瓦倫汀這樣的演員，不知有幾部能名列其中。
5、而聯繫頒獎季其他幾部影片就很有趣了。[後裔]是一個單親家庭，父女之家關係修復的故事，母親，或女人，為自己的出軌付出了生命的代價。很有意味的是，當她成為骨灰之後，竟然難得地擁有了視點（克魯尼扮演的馬特在船上捧著骨灰的那個反打鏡頭，以及水下的鏡頭）。與[盜夢空間]和[在雲端]類似，如果這是美國的主流價值，[藝術家]顯然與之有別。而magasa談到的那個有趣的觀點，[午夜巴黎]和[雨果]都是美國大導演跑到歐洲去歌頌“歐洲傳統”（儘管我以為[午夜巴黎]根本不是歐洲傳統，但起碼是一個表象上的歐洲），[藝術家]反而是法國人來為古典好萊塢唱讚歌，這個悖反實在太有趣了。三部影片都主打懷舊牌，而且無一例外，選擇的都是冷戰之前的年代。這似乎說明了某些問題。如我前文指出，[藝術家]顯然聯繫著金融海嘯之後的世界狀況，我想真正說明問題的是坎城的獎項歸屬：更為美國主流價值（修復的是經歷六十年代的父子關係）的[生命之樹]拿了大獎，不管是不是主席票，但它說明某種法國或者歐洲內部的“美國情結”，更何況這確乎是部藝術片，坎城也向來喜歡錶彰好萊塢體制內的“他者”；[藝術家]則僅僅收穫影帝，而它在美國的好評度甚至可以說是始料未及的，儘管它與美國主流敘事仍有這樣那樣的微妙差異。
所以我想，最終起作用的還是強大的懷舊力量，即使觀眾們沒有看過什麼默片，但是他們可以去想像默片，正如[午夜巴黎]去想像20年代。而這部影片實在太過討巧，甚至可以說是乖巧，一如其中那隻小狗（其實cos的不是丁丁而是19XX年的默片[義犬救主]啦）。默片確實是個很好的噱頭，不過應該只此一次，不可模仿。
但願[藝術家]拿下最佳影片的同時，把最佳導演和影帝都讓出來吧。允許學院評審們懷一下舊（我真想看[雨果]啊），不過適可而止吧。
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今年的奧斯卡季有趣兒，竟有兩部拼著比著向電影史致敬的作品。好萊塢的老馬丁（martin scorsese）用《雨果》（hugo）向法國先驅電影藝術家喬治•梅里埃（george méliès）致敬；法國導演麥可•哈扎納維希烏斯（michel hazanavicius）則用《藝術家》（the artist）向好萊塢片場與默片時代致敬。這敬來敬去的，怎么也有一部該投奧斯卡的胃口，難怪雙雙提名。
我不喜歡《雨果》，因為它除了強大的技術效果和致敬心態外，在電影故事的構建與完成上卻十分粗糙。《藝術家》除了採取默片的視覺表現方式獨樹一幟外，情節本身說來也乏善可陳，但與《雨果》不同的是它在小細節小橋段上的巧思妙想，種種視覺小品時常看得人會心一笑。比如仰慕默片明星喬治•瓦倫丁的女演員佩皮偷偷潛入喬治化妝室一節，佩皮抱著喬治掛在衣帽架上的西裝外套花痴萬分，乾脆把一條胳膊伸進袖管假扮喬治抱住自己，左挑右逗，女丑形態畢露，引得全場哈哈大笑。